Инструменты   Музыканты   Полезное   Архив MP3   stnk   cyco   LINXY   Bonus
 
YNGWIE MALMSTEEN

Поделюсь своими идеями об улучшении вашей техники игры на гитаре, и расширению мелодических и гармонических горизонтов.

Когда люди просят моих советов - как улучшить свою игру, я всегда отвечаю "играйте с ушами!".

Этим самым я имею в виду, что не надо волноваться по поводу того что делают ваши пальцы.

Попытайтесь найти мелодии которые могут быть сыграны поверх аккордовой последовательности которую вы играете, а скорость придет со временем и после достаточной практики.

Я не думаю что игра на гитаре это техника как говорят многие. Я могу играть быстро, но на самом деле это не важно.

Музыка это всегда мелодические идеи. Более важная вещь это, чтобы лады или арпеджио, которые вы играете были бы музыкальны и ложились на аккордовую последовательность.

Как и многие начинающие, я начинал со слушания и игры рок-н-ролла. Но я быстро устал от звука пентатоники. Все гитаристы рока которых я слушал, не выходили за рамки бокса пентатоники.

В результате все их соло звучали очень однотипно и по-блюзовому. Я наделся найти что-то новое. В конце концов я стал слушать классическую музыку, Баха, Вивальди и позже скрипичного виртуоза Паганини. Это был удар по мозгам!

Слушая этих великих композиторов я изменил свой способ восприятия музыки. Бах - парень который был крут в композиции. Паганини же который появился позже, использовал много Баха в своих композициях, особеннл в его 24-х Каприсах.

После изучения их музыки, я осознал красоту и важность арпеджио и аккродовых нот. В то же время я любил энергию рок-н-ролла и полный сустейна звук электогитары. Я догадался что должен объеденить мелодичность классической музыки и мощь рока в моем собственном звучании.

Прослушивание классической музыки, преимущественно пьес Баха, помогли мне развить сильное чувство мелодии. И я был уже в силах использовать его мелодические и гармонические ходы в своих соло.

Один из путей сделать более интересной вашу музыку, это использование ладовых гамм поверх педального тона - это мелодический прием придуманный Бахом.

Педальная тон это попросту долго длящиеся или постоянно повторяющаяся нота. Это название живет с тех самых дней когда использовалась педаль органа для получения долгих по длительности нот.

Я использую педальные тона как повторяющиюся ноту для наложения на нее ладовых пассажей.

Педальный тон играет просто, и позволяет создавать очень крутые пассажи. Я покажу некоторые их них.

Фигура 1 изображает основы педального тона, где я противопоставляю высокой ноте F нисходящий пассаж в гармоническом A миноре (A B C D E F G#).

Фигура 2 продвигает эту концепцию дальше используя педальный тон поверх аккордовой последовательности Am-Dm-Am E7 (E, F, E и B, соответственно).

В обоих этих примерах я использую мизинец левой руки как "якорь" - в то время как остальные пальцы нажимают другие ноты в этом пассаже.

Помните что вы можете использовать больше одной ноты в качестве педального тона.

В Фигуре 3, я противопоставляю трехнотную фразу (A-G#-A) с восходящим A гармоническим минором.

И в Фигуре 4, я противопоставляю ту же трехнотную фразу на октаву выше с нисходящим гармоническим А минором. Обратите внимание что основная последовательность - Am-E7, подразумевает более богатую гармонию (на примере она показана в скобках).

Во всех этих примерах, много растяжек для левой руки (см. расположение пальцев на табулатуре).

Я играю эти пассажи таким способом, что бы получить очень ровный, скрипичный звук. Если растяжка трудна поначалу, медленно прорабатывайте фразу. Также не приступайте к этим фразам предварительно не разогрев руки. Народ часто спрашивает меня как я развил мою технику игры. На самом деле ничего таинственного нет. Я был просто очень увлеченным парнем . Годами я ничего практически ничего не делал кроме игры на гитаре. Я хватал гитару утром как только просыпался и играл на ней до того момента пока не засыпал, потом просыпался и гитара по прежнему была на мне!

Когда я начинал играть, я играл в основном рок - пентатонику. Я выучил соло Ritchie Blackmore ноту-в-ноту. Тяжелое звучание рока было очень было очень близко мне, но не смотря на то что этот звук был так захватывающим, я в конце концов дошел о того момента когда он мне стал казаться банальным.

Поймите меня правильно, я любил AC/DC и группы подобного типа, но я хотел пойти дальше того что слышал.

Затем я въехал в классическую музыки, и произошло какое-то просветление в моей голове.

По счастью у меня был прекрасный слух, и я мог сыграть классические пьесы слушая записи, пытаясь понять и впитать в себя то что хотели выразить композиторы.

Эти дни мне очень помогли импровизации, потому что сейчас когда я импровизирую соло, это происходит естественным путем — схема моего мозга жестоко настроена на работу в рамках ладов и арпеджио которые ложатся на прогрессию которая играется в данный момент.

Для меня очень сложно сыграть неправильно гамму или ноты - я не думаю о них когда играю.

Когда я играл Паганини, я двигался от традиционной рок гитары в другую сторону. И однажды я понял что надо сфокусироваться в этом направлении. Это стало персональным вызовом - выучить такую сложный пьесу как Paganini 5th Caprice, и я начал работу надо ним пока не сыграл его идеально, и не имело значения время которое я потратил на это.

В плане изучения классической гармонии, я почувствовал, что первой и самое важное я должен сделать, так это научится строить арпеджио. Арпеджио это просто звуки аккорда сыгранные последовательно.

Не достаточно только довести технику исполнения арпеджио до совершенства - вы должны знать теорию которая стоит за конструкцией арпеджио.

Знания того какие арпеджио играются на данную аккордовую последовательность очень поможет вам в импровизации.

Я думаю что лучший путь выучить то как арпеджио взаимодействует в данном ключе, это играть их верх и вниз по грифу, диатоническим — арпеджио строятся в данном случае из терций от каждой ноты гаммы. Для примера, если построить терцию от каждой ноты гаммы мажорной G, вы получите следующие диатонические аккорды: G, Am, Bm, C, D, Em и F#dim.

Игра арпеджио подразумевает множество пропусков струн (у многих гитаристов с этим есть проблемы), я предлагаю выучить сначала диатонические арпеджио на двух струнах. К примеру, в Фигуре 1 я записал диатонические арпеджио в G мажоре на струнах B и высокой E. При игре обращайте внимание на альтернативное извлечение медиатором (вниз-ввех-вниз-вверх - down-up-down-up).

Очень важно не пытаться играть сразу быстро (я знаю что это странно слышать от меня).

Ключ к построению арпеджио лежит в правильной и отчетливой игре каждой его ноты. Если вы не сможете сыграть их чисто и ровно медленном темпе, то и нет будет не возможным сыграть их и быстро и что бы они звучали хорошо.

Когда вы почувствуете себя уверенным в исполнении арпеджио на двух струнах, пробуйте играть их на трех струнах. По прежнему используйте альтернативное звукоизвлечение.

В Фигуре 2, я сымпровизировал маленький этюд для вас, который охватывает большинство, мажорных, минорных и уменьшенных аккордов и их аппликатур, на верхних трех струнах. Отметьте небольшую модуляцию в Dm (A в восьмом такте ведет себя как доминантовый аккорд V ступени) перед возвратом в E (который является V ступенью и доминантой для возврата в Am).

Когда почувствуете что двух, трех - струнные арпеджио вы играете уверенно, вы можете расширить их до четырех, пяти и шести струн. Мы обсудим это в следующем уроке, так же как и мой способ игры скольжением (sweep-picking).

Когда я впервые въехал в гитару, я играл на ней не переставая. Я жил в ней, дышал ей, ел с ней и спал с ней. Также я был предельно самокритичным, и с самого начала я был уверен что надо развивать хорошие правила игры на гитаре - я постоянно стремился к хорошему звуку, к чистой и ритмически ровной игре. И также все это было сложно для меня. Если я что-то играл неправильно, я безжалостно критиковал себя. Каждый раз когда я допускал ошибку, я был уверен что не позволю себе допустить ее еще раз.

Каждый гитарист желает играть хорошо. Есть простая истина и путь стать хорошим гитаристом - вы обязаны быть просто одержимым. Вы должны потратить огромное количество времени и тяжелого труда, и совместить это с желанием с неослабевающим упорством.

Я не могу вам дать это горящее желание стать прекрасным гитаристом. Это должно быть внутри вас (но поверьте мне что годы тяжелой работы это цена успеха). Что я могу сделать так это дать вам несколько подсказок как лучше использовать ваше время занятий гитарой.

Для начинающих, когда вы разучивается новый или сложный технический прием, не учите его в пол силы, и не спешите что бы скорее пройти его. Необходимо быть терпеливым и затратить время что бы довести это прием до автоматизма.

Хороший пример: в прошлый раз мы говорили об арпеджио, об участке который доставляет наибольшие проблемы гитаристу. Теперь вы сможете сыграть арпеджио на двух или трех струнах, но когда вы начинаете играть арпеджио распространяющиеся на пять или шесть струн, технические требования возрастают. Есть только один путь для того что бы играть арпеджио с любой желаемой - это извлекать звук медиатором с помощью скольжения, захватывая три или более струны за один удар вниз.

Я думаю что многие гитаристы представляют примерно общую идею техники скольжения, но только немногие освоили эту технику по-настоящему. Все потому что многие исполнители просто не затратили на изучение этой техники достаточного количество времени и усилий.

Каждый раз когда гитарист не может исполнить правильно технику скольжения, он обычно зажимает барре и артикулирует каждую ноту (ноты продолжают звучать во время исполнения следующих нот), или он пытается играть его очень быстро, и теряет точность и чистоту который необходимы для этой техники. В любом случае звучит дерьмово.

Что бы решить эту проблему надо вдуматься в каждый компонент этой техники для правой и левой рук, сначала исполнить их отдельно каждой рукой и затем скоординировать вместе. Естественно это не просто. Вы должны затратить не мало времени, что бы освоить эту технику.

Что бы понять технику правой руки, вы должны ощутить что медиатор падает вниз, как при игре аккомпанемента аккордами. Важно еще не останавливаться в движениях медиатором. При исполнении скольжения вверх движения должно быть непрерывным. И опять, важно не использовать свою устоявшуюся индивидуальную технику в движении вверх.

Компоненты левой руки также важны. Надо заглушать каждую струну сразу после того как она извлечена (легким поднятием пальцем на грифе) для предотвращения звучания всех нот вместе наподобие взятого аккорда.

Я написал несколько моих любимых аппликатур арпеджио для занятий. Фигура 1 изображает арпеджио A minor сыгранное в трех различных позициях, а Фигура 2 покрывает три аппликатуры A major. Вы должны работать над этим пока это не станет вашей второй натурой, потому что только после этого вы сумеете применить их в реальной ситуации, во время исполнения соло.

Я в своей жизни никогда не брал уроков на гитаре, но я всегда играл - импровизировал, отыскивая новые музыкальные пути и пытался представить звуки которые я слышал, пока в конце концов не реализовывал их.

Большинство идей у меня возникали во время прослушивания записей и понимания того из чего исходил композитор. Смешно то что я никогда и не упражнялся. Может потому что я избегал играть гаммы и упражнения которые не были привязаны к контексту. Вместо этого, я всегда фокусировался на создании музыки как только я осваивал новую идею.

Одна вещь которая мне очень помогла - я всегда записывал то что играл. Я настоятельно предлагаю вам делать то же самое. Записывайте все что вы играете - от занятий до выступлений. Затем можно прослушать то что вы сделали и выявить слабые места. Это прекрасный инструмент который поможет определить то, над чем надо работать. Я предупрежу вас- пленка отвратительно честна! Вы можете подумать что играете чисто и ровно, но пленка не врет.

Изучение диатонических последовательностей - мелодических гаммаобразных аппликатур - должны быть важной частью ваших практических занятий. Диатонические последовательности гораздо музыкальнее чем упражнения для пальцев, и так же что более важно позволяют заниматься в обоих этих направлениях. Сначала придет техника. Нет более лучшего пути для синхронизации левой и правой рук чем занятия над мелодическими последовательностями.

Затем, изучение последовательностей поможет вам в тренировке слуха - они переключают вас на новые мелодические идеи во время написания музыки и импровизации.

Когда я создаю последовательности, я отталкиваюсь от мелодической аппликатуры как от основы, таких например как гамма A Aeolian (A B C D E F G) см. Фигуру 1. Затем я нахожу точку в ней, в которой я могу мгновенно вставить ее в свои соло.

Изучив аппликатуру я немедленно начинаю использовать ее. Я люблю связывать мелодические идеи вместе, или мотивы для создания длинных текущих фраз во время соло. Я использую последовательности как переходы между моими идеями - как колеса для движения от одной мелодической теме к другой. Часто, я комбинирую две последовательности для создания красивой мелодической идеи, такой например как на Фигуре 2.

Я люблю звучание тоники в гамме гармонического миноре играемой поверх аккорда пятой ступени в миноре. Для примера, в тональности Am, я сыграю гамму A harmonic minor (A B C D E F G#) поверх аккорда E7 который разрешается в Am. Фигура 3 изображает клевую последовательность использующую этот принцип. Помните что вы не обязаны играть целую последовательность во время соло—вы может выделить столько сколько показывают ваши уши.

В конце концов вы будете обладать запасом основных последовательностей и сможете начать процесс создания собственных идей. Для примера, вы можете заметить гармонию каждого аккорда в данной прогрессии.

Сыграйте Фигуру 4, это последовательность в A Aeolian похожа на ту которую я играл "I’ll See the Light" (альбом "Marching Out"), и вы сможете услышать на практике аккорд который лежит в ее основе, без помощи аккомпанемента . В четвертом такте , заметьте что я переключаюсь на гамму A гармонического минора для точной обрисовки аккорда E7 (потому как G# это терция E7), но держите одинаковый контур последовательности.

Попробуйте использовать этот пример как трамплин для ваших собственных экспериментов с последовательностями.

Еще одно замечание — пробуйте играть все последовательности в этом уроке в различных октавах и на в разных комбинациях струн. Это не только поддержит вашу технику но также и знание грифа. Увидимся.

Самое мое большое музыкальное увлечение - классический скрипач Niccolo Paganini.

Несмотря на то что он жил в конце 18-го века (за долго до того как имидж стал таким же важным в маркетинге как и сама музыка), его экстремальный магнетизм вместе с поражающей ум техникой делает его первой в истории рок звездой.

Paganini родился в 1782 году в Genoa (Italy), и к 20 годам он стал самым известным скрипачом своих дней.

Он гипнотизировал публику и критиков своим божественным присутствием на сцене, также как и техникой игры и яркостью представления. Наряду с его не имеющей равных демонической техникой игры на инструменте, Paganini был также вдохновителем поздних композиторов таких как Liszt и Chopin, которые использовали свою виртуозность и технические возможности для более выразительных средств в своих работах.

Кроме его безусловной музыкальности и технического совершенства, Paganini доказал мне, что хороший музыкант не должен приносить виртуозность в жертву зрелищности. В результате я всегда стремился делать мои шоу визуально захватывающими насколько это возможно без нарушения музыкальной целостности.

Его композиции глубоко впечатляют меня - особенно его «24 Каприса» (24 Caprice Op.1). Я помню, что изучая 5 Caprice в A миноре — я практиковался непрерывно пока полностью не освоил его. Он не только помог мне развить технику (особенно арпеджио), но и открыл мой слух для мелодии и гармонии.

Я изучал 5 Caprice слушая его в записи. И потому что у меня не было нотной записи, процесс подбора мелодии по слуху был болезненным, но это стоил того.

Я думаю что каждый гитарист что-то приобретет из изучения Каприсов Паганини. В этом уроке, я записал первые 20 тактов его Каприса 5 в A миноре в Фигуре 1.

Я хочу предупредить вас - это пьеса не для слабых людей - вы должны быть очень терпеливы и выделить для него много времени, но результат окупит себя.

Помните что музыка для гитары звучит ниже на октаву чем записано (так что вы будете играть на октаву ниже чем скрипачи играют ее). Причина этого напоминания в том что вы не должны подумать что играете неправильно если услышите запись в исполнения скрипача.

Также помните что табулатура совсем не объективна — там нет ни одного правильно указанного пальца. Я написал это только одном варианте для своих пальцев. Просто мои предположения (я часто использую другие пальцы в разных частях). Вы должны использовать мои указания на счет пальцев только как для шаблон для изучения и поиска собственных удобных вам рас положений пальцев.

Уделите особенное внимание арпеджио, и проработайте технику правой руки с медиатором. К примеру , я использую скольжение для игры восходящего арпеджиоE7 в такте 4 и в нисходящим C и G арпеджио в такте 5, и переменную технику (вниз-вверх-вниз-вверх) для игры ноты-на-струну арпеджио в тактах 3, 8 и 9. Я использую комбинацию переменного /скользящего звукоизвлечения для игры F#dim7 арпеджио в такте 14.

Когда играете нисходящие хроматические гаммы в такте 16, убедитесь что проигрываются все слайды указательным пальцем.

Надеюсь в извлечете столько же пользы из этого Каприса как и я.

Я всегда удивлялся тому, что люди которые хотят освоить технические приемы прибегают к помощи различных упражнений, когда тоже самое можно постичь из живой музыки. Я имею в виду то, что не надо гонять бессмысленные гаммы верх и вниз по грифу когда есть возможность играть такие музыкальные шедевры Баха или Паганини.

Я не могу представить лучшей практики для гитариста чем игра Каприсов Паганини. Я уверен что со мною согласятся те кто прошел первый урок этой серии Пятый Каприс Паганини, что это клад технических элементов таких как арпеджио, игра через струны, сдвиги позиции, и хроматических гамм. И главное то что они красиво звучат. Для тех кто по прежнему на моей стороне, я предлагаю рассмотреть вторую часть Пятого Каприса.

Гитаристы очень часто просят рассказать о применении хроматической гаммы в практических ситуациях. Я всегда отвечаю, -"обратитесь к истокам" - слушайте великих композиторов которые сделали из хроматических пассажей музыку. В процессе изучения Пятого Каприса., вы услышите как Паганини использовал хроматическую гамму в контексте композиции, и увидите не просто инструмент для построения стандартов, но и мощное мелодическое средство которое окрасит вашу игру в яркие цвета .

Так как хроматическая гамма построена из полутонов (и следовательно содержит все 12 тонов используемых в Западной музыке), то эта гамма не содержит тонального центра. Это значит то что при умном использовании она может быть сыграна на любом аккорде. Но перед тем как применить идеи хроматики применительно к гаммам или арпеджио, вы должны овладеть просто хроматической гаммой.

Если вы посмотрите на такты 6-9, вы увидите несколько расширенных хроматических пассажей (в две октавы, если быть точным). Если вы не знакомы со звучанием хроматической гамы, выделите эти разделы, выучите их как упражнения. Тщательно следуйте табулатуре что бы ощутить потом верные ноты под пальцами. В конечном итоге, играя их вы услышите как хроматическая гамма создает мелодическое напряжение (тяготение), и как оно спадает когда мелодия разрешается в аккордовом тоне.

Те из вас кто знакомы с моей игрой знают что я часто использую уменьшенные (diminished ) арпеджио для соединения аккордов. Надо ли говорить то что не я придумал эту концепцию. Все великие классические композиторы начиная от Баха (включая Паганини) широко использовали эти хроматические средства. Если вы посмотрите на цифры 10-11, вы увидите что Паганини использует A°7 арпеджио (A C Eb Gb) для соединения Ab (Ab C Eb) и арпеджио Bbm (Bb Db F), и арпеджио B°7 (B D F Ab) для соединения Bbm и арпеджио Cm (C Eb G).

Этот тип гармонического движения называется голосоведением, или плавным соединением аккордов. В идеале, общее правило гласит - при смене аккорда, каждая нота, или голос, должен передвигаться не более чем на одну ступень, вверх или вниз. Как вы видите выше в этих пассажах, Паганини безупречно следует этому правилу.

Еще один великолепный пример голосоведения находится в тактах 15-16, где Паганини без усилий модулирует тональность Db в тональность Eb, используя прогрессию (через арпеджио) Db-Db7-D°7-Ebm-Eb. Послушайте как гладко звучит эта модуляция - настоящий вклад Паганини в мастерство голосоведения. BИ вот мы подходим к третьей завершающей частью Пятого Каприса Паганини. Обратите внимание на Хроматическое Движение в контексте данной пьесы. Такое движения бывает 4 типа: parallel, similar, oblique, contrary.

При этом например заглавный рифф из песни Deep Purple "Smoke on the water" есть как раз прием parallel движения. А вот в этом каприсе во втором такте мы можем увидеть отличный пример similar движения, плавно соединившего такие арпеджио как F#/A#-B-G#/B#-F#7/C#-B/D#. Также неплохо бы обратить внимание на хроматическое передвижение басовых нот в то время как остальные ноты арпеджио двигаются не хроматически. Примером oblique движения может служить 3 такт. Также продолжая разговор о движении, скажем о такте номер 5 как о примере Contrary движения.

А самое клевое что Вы должны понять как гитаристы, так это то, что это очень клево, когда соединяешь в своей игре элементы большого числа стилей.


В целом же надо отметить, что в любом случае прослушивание классики (Bach, Beethoven, Mozart, Liszt, Chopin) это очень хорошо. Надеюсь, что если Вы выучите это Каприс Паганини то это будет Вам очень полезно и приятно.

Информация публикуется с разрешения журнала "Guitar World"
Автор: YNGWIE MALMSTEEN, Перевод: Дмитрий Фролов